Romina Córdoba é uma excelente fotógrafa e jornalista equatoriana que conseguiu consolidar sua carreira no campo do retrato artístico. Sua abordagem é caracterizada por uma profunda carga emocional e um estilo de arte, combinando sua paixão por capturar os momentos mais significativos da vida.
Depois de ter filhos, Romina decidiu se especializar em retratos infantis, abrindo seu próprio estúdio há cinco anos. Hoje, é reconhecido internacionalmente, tendo conquistado prêmios como o WPE Awards International Photography e representando o Equador em competições de fotografia como a Copa Mundial de Fotografia. Além disso, ela é Sony Alpha Partner, o que a torna uma figura-chave na fotografia contemporânea.
Nesta entrevista, aprenderemos não apenas sobre sua evolução como artista, mas também sua visão da fotografia como uma forma de arte emocional e sua experiência como mentora de fotógrafos em plataformas internacionais.
Como você descreve sua evolução como fotógrafo desde o início até os dias atuais?
Foi uma evolução progressiva; os estilos e categorias em que trabalhei mudaram com o tempo, refletindo um pouco a evolução da minha vida. Eu me formei como jornalista, então meu início na fotografia foi através do fotojornalismo e da fotografia documental. Comecei com um estilo mais próximo da fotografia de rua, até que o diretor de fotografia de uma revista viu meu trabalho e me contratou como freelancer para uma publicação importante no meu país, a ñ am Magazine. Depois me dediquei a documentar para diferentes mídias impressas nesse estilo, até me casar, ter filhos e começar a me inclinar para o retrato. Nesse processo, construí meu estilo em direção a um retrato narrativo de belas artes.
O que inspira você quando se trata de criar e capturar suas imagens? Existe um tema ou conceito recorrente em seu trabalho?
Em geral, isso me inspira a ser capaz de capturar emoções ou cenas intensas que se conectam com as ideias que tenho. Eu tento fazer com que minhas fotografias tenham composições profundamente emocionais e detalhadas. A luz e o ambiente desempenham um papel crucial no meu trabalho para que esses retratos possam ser lidos de forma narrativa, contando uma história ou evocando uma emoção. Tento criar e capturar imagens íntimas e, às vezes, viscerais que se conectem com o espectador, convidando-o a explorar e refletir sobre o caráter e o contexto emocional que envolve os assuntos em meus trabalhos. Em termos de estilo, me ajuda muito transmitir essa mensagem por meio de uma edição de arte.
Você poderia compartilhar um pouco sobre seu processo criativo? Como você desenvolve uma ideia desde sua concepção até a imagem final?
Sim. Eu tenho duas maneiras de trabalhar com minhas fotos. As que são muito pessoais geralmente vêm de ideias que surgem naturalmente quando eu brinco com meus filhos, leio histórias, assisto filmes, ouço música ou passo por diferentes fases da minha vida. Embora eu normalmente não me coloque na frente da lente, considero que atualmente estou passando por um processo de mudança em minha fotografia, pois busco, por meio de modelos, tornar as fotos mais autobiográficas. Normalmente anoto todas as ideias que me vêm à mente ou, às vezes, as desenho quando são mais complexas em termos de composição.
Quando trabalho para clientes, o processo é diferente; começo com um questionário ou entrevista que dou a eles para aprender sua história, o que gostam de fazer e entendê-los melhor. Com essas informações, trabalho em um processo criativo para produzir ambientes que me ajudem a contar sua história. Assim, cada foto ou sessão se torna muito pessoal para eles e, de certa forma, também para mim, pois mantenho minha estética.
Como tem sido sua evolução como fotógrafo desde que você começou até agora? Que lições importantes você aprendeu ao longo do caminho?
Minha evolução veio com muito aprendizado. Acho que, como muitos, comecei querendo encontrar um “estilo” desde a primeira foto, mas percebi que isso está tomando forma com o tempo, à medida que você trabalha mais e percebe do que realmente gosta. Acho que a lição mais importante que aprendi é respeitar meu estilo e ser honesto com meu trabalho. Acho que, com sinceridade e ousadia de testar minhas ideias, consegui me destacar. Ao colocar esforço e fé em minhas ideias, consegui ser cada vez mais sincera com o que faço.
Outra lição que considero importante é evitar se comparar com outros fotógrafos. É bom apreciar e observar o trabalho de outras pessoas, mas não há espaço para comparação, pois cada pessoa teve uma evolução independente, marcada por seu contexto social, familiar, econômico e cultural. O importante é aproveitar a viagem.
Por fim, eu recomendaria ouvir conselhos sobre fotografia, técnica e estilo, mas não levá-los muito a sério, pois quebrar as “regras” é onde a descoberta é encontrada. Às vezes, silenciar os outros é a melhor maneira de se autodescobrir, e fazer uma pausa é o primeiro passo em direção à autenticidade. Fazer uma pausa e nos perguntar sinceramente o que realmente nos move é essencial. Não se trata do que os outros dizem que você é, do que você deveria ser ou de como deveria fazer as coisas, porque nesse processo você perde a individualidade que o torna único. Você se torna uma réplica das confusões de outras pessoas. Você é o que pensa de si mesmo, e não há trabalho mais bonito e significativo do que aquele que é feito com sinceridade, porque é aí que você faz a diferença.
A luz desempenha um papel crucial na fotografia. Como você aborda a iluminação em seus projetos, especialmente quando trabalha ao ar livre?
A luz é essencial no meu trabalho, pois é ela que dá a atmosfera às minhas fotografias. Eu abordo isso dependendo do personagem ou personagens que eu tenho na época. A luz me ajuda a dar sentido ao conceito das minhas fotos e às minhas composições. Além disso, eu o uso muito na edição, pois determina o brilho da paleta de cores. A cor também é uma parte importante do meu trabalho ao ar livre.
Existe algo ou um projeto fotográfico que você considera particularmente especial ou significativo em sua carreira? Por que ele?
Acho que o projeto mais pessoal foi documentar criativamente os estágios de crescimento dos meus filhos. As fotos deles são as mais especiais para mim. No entanto, eu também diria que minhas sessões de Natal, inspiradas na infância de meus filhos, são muito significativas, pois optei por conceitos únicos e arriscados para os clientes. Por exemplo, a sessão “Roullete de la Navidad” foi inspirada na pintura Roullete do meu pintor favorito, Remedios Varo, onde criei um carrinho móvel que dava a sensação de voar no céu enquanto as crianças tocavam piano. O engraçado é que eu o desenhei para crianças, mas no final muitos pais também adoraram, haha! Outras sessões especiais foram “Fishing for Stars” e “Steampunk of Christmas”, com conceitos mágicos e cenários criativos.
Qual foi o maior desafio que você enfrentou em sua carreira como fotógrafo e como você o superou?
A ansiedade tem sido um dos maiores desafios. Houve uma época de trabalho árduo em que eu desmaiei demais. Financeiramente, eu estava indo muito bem, pois meus clientes procuravam algo diferente, mas ao mesmo tempo eu dividia meu tempo entre ser mãe, esposa e mentora de fotógrafas em uma plataforma online. Eu desenvolvi a síndrome de burnout, ou síndrome de queimadura, que foi muito difícil. Eu superei isso com muito apoio da minha família, meu psicólogo e descanso. Aprendi que a paz não pode ser comprada e que o descanso é necessário.
Como você vê as tendências atuais da fotografia e como elas se relacionam com seu estilo pessoal?
Honestamente, não sigo muito as tendências atuais porque tento não estar tão atento ao telefone e me concentrar no meu trabalho. Percebi que fotos com sensação de movimento estão na moda, o que me intriga, mas ainda não experimentei. Há também o tópico da inteligência artificial (IA), que eu comecei a explorar. Acho que é interessante, embora eu não o use muito atualmente, exceto por algumas funções do Photoshop. Acho que as novas ferramentas existem para investigá-las e encontrar um equilíbrio em que possam complementar nosso trabalho, sem substituí-lo. Hoje, mais do que nunca, o valor do artesanato está aumentando em relação ao que uma IA poderia gerar a partir de uma simples frase.
Corte e conte-nos sobre seu equipamento fotográfico e gráficos. Há alguma câmera ou lente que você considera essencial em seu trabalho?
Sim, minha câmera de cliente Sony Alpha 7 III é tudo que eu preciso. Para projetos mais especiais, o Alpha 7R V é o melhor por sua qualidade e resolução. Quanto às lentes, meus itens essenciais são as 70-200 mm, as 50 mm e as 85 mm, estas últimas para uso em estúdio e ao ar livre. Tudo da linha G Master.
Qual o papel da edição em seu trabalho? Você prefere manter suas fotos o mais naturais possível ou usa técnicas de pós-produção para obter o efeito desejado?
A edição é muito importante no meu trabalho, pois me especializo em edição de belas artes, onde o processo leva tempo e é como pintar, só que uso um tablet de edição em vez de pincéis. Esse é o estilo que define minha fotografia e dá valor e significado às minhas imagens. Eu uso o Lightroom para um primeiro desenvolvimento e o Photoshop para trabalhar no estilo de arte. Dependendo de cada foto e do conceito, às vezes eu apenas mudo a cor, enquanto outras exigem composições mais complexas. Gosto de trabalhar nos dois sentidos, pois o que é importante para mim é a mensagem na foto, e cada imagem pode ser diferente.
O que você gostaria de dizer que as pessoas se lembrariam ou sentiriam ao ver seu trabalho fotográfico?
Que se empolguem, que as fotografias os ajudem a lembrar, sonhar ou se desconectar um pouco da vida e simplesmente apreciá-la.
