Mariano Dawidson, diretor argentino e sócio da Sony Alpha, é um prolífico artista audiovisual que criou inúmeras produções premiadas em sua terra natal e em outras partes do mundo. Mariano teve grande sucesso com seu primeiro longa-metragem de suspense psicológico “La Sangre del Gallo” (2013), que estreou no 29º Festival Internacional de Mar de la Plata e foi indicado para “Melhor Audiovisual para Plataformas Digitais” no Silver Condor Awards 2018, entre uma dúzia de outras indicações. Esse talentoso cineasta fez parte dos diretores da Netflix por dois anos e agora dirige no Amazon Prime.
Mariano parece ter nascido para criar. Ele completou seus estudos na escola Martín H. Malharro em Mar del Plata como designer gráfico e ilustrador. Ele reafirmou que a criação audiovisual era o que ele queria fazer com sua vida depois de concluir seus estudos de cinema na Escola Nacional de Experimentação e Produção Cinematográfica (ENERC), em Buenos Aires, quando teve grande sucesso com seu primeiro curta-metragem, um thriller intitulado “The Asylum of the Beast” (2005), que ganhou vários prêmios e indicações.
“Filmar um filme é o maior desafio que eu já enfrentei. É um teste de força e resistência que passa por você completamente. Mas acho que todo projeto é um desafio.” -Mariano Dawidson
Mariano não se dedicou apenas a fazer curtas-metragens e longas-metragens, mas também dirigiu séries, como a websérie “Dark Morning”, vencedora do Concurso Federal de Episódios Web de 2016, INCAA, e fez vários videoclipes, um gênero que ele gosta muito. Ele foi indicado ao Grammy Latino com o videoclipe “Vivir los Colores” da banda Todo Aparenta Normal. Recentemente, ele co-dirigiu com seu irmão Eric seu segundo filme “La casa acecha”, produzido pela Habitacion 1520. Em 2019, apesar da pandemia, ele fundou, junto com um grupo de colegas cineastas, La Cámara Argentina del Videoclip. Naquele ano, ele dirigiu mais de 20 videoclipes, quatro sessões ao vivo, alguns comerciais, 6 curtas-metragens em homenagem aos 60 anos do teatro San Martín e um com uma ONG que luta pela desestigmatização e prevenção do HIV. Desde que começou a criar, Mariano experimentou e conseguiu realizar tudo o que se propôs a fazer.
“Em meus quase 20 anos de vida como cineasta, vi o meio mudar quase em uma escala de ficção científica” — Mariano Dawidson
Tivemos a oportunidade de conversar com Mariano Dawidson para conhecer um pouco mais sobre sua vida, sua experiência e seus projetos.
Como sua carreira cinematográfica começou?
Em 2002, vim de Mar del Plata para morar em Buenos Aires a tempo de estudar cinema. Eu realmente não tinha ideia no que estava me metendo, embora gostasse muito de assistir filmes, nunca havia pisado em um set. Graças ao meu irmão Eric, que já estava se aventurando no assunto, descobri a Escola Nacional de Experimentação e Produção Cinematográfica (ENERC), para mim uma das melhores escolas de cinema da América Latina, onde tive a sorte de entrar e seguir a carreira de diretor cinematográfico. Esses três anos foram muito intensos, li sobre filmes ou assisti filmes, literalmente, o dia todo. O trabalho final do primeiro ano foi a realização de um curta-metragem — minha primeira experiência cinematográfica — que felizmente correu muito bem graças a um processo meticuloso e obsessivo, já que eu não sabia exatamente o que estava fazendo. Lembro-me do momento em que foi exibido pela primeira vez: era uma grande sala cheia de pessoas que estavam um pouco distraídas enquanto jogavam uma após a outra todas as curtas finais de cada ano. Quando chegou a hora de interpretar meu curta-metragem, fiquei nervosa como se fosse eu quem tivesse que subir ao palco. Após os primeiros 15 ou 20 segundos, todos se calaram e entraram na ficção, começaram a prestar atenção na tela e nenhuma mosca voou até os títulos finais. Depois de alguns segundos eternos para mim, as pessoas começaram a me aplaudir e me parabenizar. Naquele momento, percebi que havia encontrado o que queria fazer pelo resto da minha vida.
Suas duas primeiras produções cinematográficas foram no gênero de suspense psicológico “La Sangre del Gallo” ou “O Asilo da Fera”, ambas muito bem-sucedidas e merecedoras de reconhecimento internacional. Conte-nos um pouco sobre essas experiências.
“The Asylum of the Beast” é meu primeiro curta-metragem, ao qual me referi anteriormente, e “The Blood of the Rooster” é meu primeiro longa-metragem, com 10 anos de diferença. Sinto que, como diretor, o thriller é o gênero em que me sinto mais confortável. Acho que é porque fui criado visualmente nos anos 90, nos quais; Seven, Fight Club, Silence of the Lamb, The Sixth Sense, Requiem for a Dream or Memento, foram filmes que marcaram um caminho, que nos surpreenderam quando os vimos pela primeira vez. Consigo pensar em muitos outros agora, talvez não tão conhecidos, mas que foram icônicos, como Bound (o primeiro filme dos irmãos Wachowski, antes de fazer The Matrix) ou Dark City, de Alex Proyas — também diretor de The Raven e I Robot — por exemplo.
Quando dirigi meu primeiro curta-metragem, eu não sabia o que estava fazendo e graças a isso consegui me surpreender e surpreender os outros com o resultado, um curta-metragem que ganhou muitos prêmios e abriu inúmeras portas para mim. Com meu primeiro filme, “The Blood of the Rooster”, algo bem parecido aconteceu. Quando embarcamos no projeto com Eric — meu irmão como produtor e eu como diretor — não sabíamos ao certo o que precisava ser feito ou como seria o caminho. E embora não tenha ganhado prêmios por não ter um perfil de “festival”, quando o filme terminou, a Netflix se interessou por ele e ficou disponível mundialmente por dois anos, o que nos fez recuperar nosso investimento e gerou muita satisfação, além de abrir portas para nós em muitos lugares.
Seus últimos anos foram muito prolíficos, qual é a sua inspiração para suas produções?
Gosto muito de fotografar e tento fazer isso cada vez mais. O videoclipe é um formato que eu adoro e no qual me sinto mais confortável, mas também filmo shows ou sessões ao vivo. Eu fiz uma série de ficções para o teatro San Martín no ano passado com um elenco incrível e estou sempre pensando e gerando coisas novas.
Em geral, sou inspirado por filmes. Assistindo filmes, tenho as ideias que mais gosto e que geralmente não têm a ver com o filme real que estou assistindo, mas algo sobre a estrutura ou uma determinada imagem desencadeia uma ideia que acaba se tornando o conceito do que estou tentando fazer. Também me inspiro na música, pintura, fotografia ou teatro; a arte em geral é uma fonte de inspiração. Eu assisto muitos vídeos no YouTube — acho que isso é quase inevitável — mas tem mais a ver com questões de referência de estética ou tutoriais de câmera, pós-produção ou coisas mais específicas.
Como você descreve sua experiência como cineasta nesta era de tantas plataformas de conteúdo digital?
Em meus quase 20 anos de vida como cineasta, vi o meio mudar quase em uma escala de ficção científica. Quando comecei a estudar, era filmado em filme de 35 mm ou 16 mm e o VHS era o meio mais usado no mercado interno. Não havia redes sociais ou câmeras em todos os lugares, era realmente outro mundo. Os tempos de filmagem e a metodologia também foram completamente diferentes e estou feliz por ter aprendido a filmar nesse mundo e estar neste mundo hoje, tendo me adaptado e aproveitado os benefícios.
Nesta era digital em que todos têm uma câmera na ponta dos dedos, como surge a inspiração para criar histórias cinematográficas com um ponto de vista original?
A originalidade é completamente independente da tecnologia, seja ela qual for. Sempre há alguém que pega as mesmas ferramentas que todo mundo tem e combiná-las de uma maneira específica gera algo nunca antes visto. Acho injusto atribuir a certas técnicas, ferramentas ou períodos a capacidade de “promover” a criação artística. A tecnologia torna nossa vida melhor desde o início e é ótimo entendê-la o mais rápido possível para não ficar melancólico. Tudo o que sabemos pode se tornar inútil de um dia para o outro, mas a necessidade ou o impulso de contar histórias, transmitir sensações e se conectar com o espectador é o que nos fará aprender novas maneiras, se necessário, de seguir em frente.
Como cineasta, o que você considera a coisa mais importante quando se trata de criar um bom filme?
Existem bons filmes de todas as formas imagináveis. Eu acho que é importante que isso passe por você de alguma forma: seja por causa da forma, do conteúdo, dos personagens ou qualquer outra coisa. No roteiro, há um conceito chamado “pergunta ativa central” — que aparece após o primeiro ponto central — e é a espinha dorsal da história. Por exemplo, em “De Volta para o Futuro”, a pergunta é: Martin McFly pode retornar ao futuro? Acho que se a pergunta ativa no centro do seu roteiro o desafia como diretor, você está no caminho certo.
Como é seu processo criativo ao lidar com uma nova produção?
Não tenho a menor ideia. A folha em branco acontece comigo repetidamente. Eu luto contra isso, tento sistematizar minha forma de trabalhar, mas é impossível para mim, sempre consegue chegar de novas formas e me deixar nua como se eu nunca tivesse filmado nada. Obviamente, faz parte do meu processo e não tenho alternativa a não ser fazer amizade com ele para sofrer o mínimo possível. Em muitas ocasiões, assisto vídeos que fiz e tento me lembrar de como chego lá.
Quais foram seus maiores desafios como diretor de fotografia?
Sem dúvida, filmar um filme é o maior desafio que eu já enfrentei. É um teste de força e resistência que passa por você completamente. Mas acho que todo projeto é um desafio, eu o vivo dessa maneira e não porque eu o proponho, mas porque simplesmente acontece.
Como você vê a América Latina em termos de cinema?
A América Latina é enorme geograficamente e culturalmente. Tem tudo, tudo acontece, acho que está cheio de talentos em todos os lugares e em grandes cidades como Buenos Aires, Cidade do México ou San Pablo, a riqueza de coisas novas é incrível.
Você acha que a tecnologia representa uma oportunidade ou uma ameaça?
Como eu disse antes, a tecnologia existe desde que tudo começou. Não porque seja novo, algo tem que estragar o anterior, mas pelo contrário, se olharmos para trás, perceberemos que as coisas estão melhorando em todos os sentidos. Você só precisa saber como se adaptar, aprender a usar coisas novas e não tentar substituir a criatividade pela tecnologia, porque você não pode.
Conte-nos sobre seu time favorito.
No momento, meu dispositivo favorito é o Sony A7s III com o G Master de 24-70 mm, é a melhor combinação de qualidade e versatilidade que posso encontrar no momento. Também uso muito a FX3 e a FX6, em ambos os casos com lentes fixas — a linha G Master de lentes fixas é incrível. Também gosto de experimentar coisas novas sempre que posso — na verdade, ontem gravei um videoclipe inteiramente com o zoom G Master de 12-24 mm, eu o assistia há muito tempo querendo usá-lo e finalmente encontrei a oportunidade. Adicione a isso um cardan, eu uso o Ronin S e também o Crane 3, ambos têm características e peso bastante semelhantes. Isso adicionado à estabilização ativa da câmera me dá ótimos resultados.
Quais são seus projetos atuais e futuros?
No momento, tenho vários videoclipes para gravar nos próximos meses, produções nacionais e artistas de outros países que vêm à Argentina para gravar. Entre os projetos de longo prazo, estou desenvolvendo um filme, já com o roteiro escrito, vendo qual direção a produção está tomando, e também uma série que não tem datas de produção, mas que mais cedo ou mais tarde se tornará realidade. Aprendi com o tempo que é importante trabalhar em projetos de longo prazo, mas também que preciso estar atento ao que o ambiente está me oferecendo, aproveitando as oportunidades e as portas que se abrem.
*A disponibilidade dos produtos mostrados aqui varia entre os locais. Para obter mais informações sobre sua existência, visite o site da Sony em seu país.
