Há prêmios que celebram uma imagem e outros que consagram um look. Quando Gui Christ (@guichrist) foi anunciado como vencedor do Sony World Photography Awards, não apenas a força estética de seu trabalho foi validada, mas também a profundidade das histórias que ele decidiu contar. Algumas semanas antes de uma nova geração de fotógrafos ser premiada em Londres, sua jornada faz ainda mais sentido: a de um autor que fez da fotografia documental um veículo para explorar a identidade, o território e a condição humana de uma perspectiva honesta e insatisfeita.
Nesta conversa, voltamos ao momento que marcou sua carreira, mas também ao processo, às decisões e à sensibilidade que o levaram até lá, para entender o que realmente está por trás de um trabalho capaz de ressoar em nível global.
Quando recebi a notícia, foi provavelmente a maior surpresa da minha vida. Fiquei sem fôlego por alguns minutos e demorei um pouco para entender o que realmente estava acontecendo. Foi um momento de muita emoção, pois meu trabalho sempre foi construído de uma forma muito intensa, perto das pessoas e histórias que fotografo, sem necessariamente imaginar até onde essas imagens poderiam ir.
Depois de assimilar as notícias, comecei a entender a dimensão do que aquela conquista representava. O prêmio não significou apenas reconhecimento global , mas também a possibilidade de levar para uma plataforma de enorme prestígio um debate muito importante sobre comunidades afro-brasileiras , das quais eu também não faço parte. Para mim, foi muito emocionante ver que histórias ligadas a religiões, identidade e resistência cultural baseadas na África podiam alcançar pessoas de todo o mundo por meio da fotografia.
O que mais me impressionou foi a compreensão de que minhas imagens poderiam criar conexão , diálogo e representação. Senti que, de alguma forma, estava ajudando a apresentar ao mundo histórias que fazem parte da vida de milhões de brasileiros, mas que muitas vezes ainda são vistas de forma estigmatizada. Foi um momento de muita felicidade e também de gratidão, pois entendi que a fotografia tem uma capacidade muito poderosa de aproximar culturas e ampliar sensibilidades.
O prêmio me fez entender, de uma forma muito concreta, que as histórias produzidas na América Latina, especialmente a partir de perspectivas historicamente marginalizadas no Brasil, podem cruzar fronteiras culturais e dialogar com pessoas de todo o mundo. Foi muito forte perceber que as questões em que trabalho não são questões isoladas do contexto brasileiro, mas debates que atravessam diferentes sociedades. De alguma forma, isso me mostrou que a fotografia também pode funcionar como uma ponte de empatia, informação e transformação social.
Como fotógrafa , o prêmio me deu ainda mais confiança para continuar acreditando em processos longos, sensíveis e profundamente humanos. Muitas vezes trabalhamos por anos em projetos sem saber exatamente até onde eles podem ir. Viver a experiência do Sony World Photography Awards reforçou em mim a importância de permanecer fiel ao meu próprio idioma, às minhas origens e às histórias nas quais realmente acreditamos. Acho que foi uma confirmação de que autenticidade e comprometimento são fortes.
Minha relação com o trabalho também foi transformada de uma forma muito positiva. Venho de uma jornada construída com muita persistência, aprendizado constante e proximidade com os territórios e comunidades que fotografo. E ver que um trabalho realizado naquele local conseguiu obter reconhecimento internacional foi profundamente inspirador. Isso me fez entender que não é necessário reproduzir modelos externos ou tentar se encaixar nas expectativas internacionais para criar um trabalho relevante. Pelo contrário: muitas vezes, o que existe de mais local, íntimo e verdadeiro é exatamente o que tem a maior capacidade de conexão universal.
Acho que isso também não pode servir de incentivo para muitos fotógrafos latino-americanos. Há histórias extremamente poderosas sendo produzidas em nosso continente. O mais importante é construir sua própria voz sensível e entender que a fotografia não se trata apenas de belas imagens, mas da capacidade de criar encontros, expandir visões do mundo e produzir memória.
Ganhar o Sony World Photography Awards vai muito além da visibilidade. Obviamente, há uma transformação prática importante: o trabalho começa a circular mais, surgem novas oportunidades e você começa a dialogar com pessoas e instituições ao redor do mundo. Mas, para mim, o significado mais profundo do prêmio foi entender que as histórias produzidas a partir de nossa realidade são fortes o suficiente para ocupar qualquer espaço global.
A fotografia produzida em nossos territórios carrega uma força muito particular. São imagens atravessadas pela memória, território, espiritualidade, resistência e humanidade. Muitas vezes crescemos acreditando que precisávamos abordar idiomas ou referências estrangeiras para sermos reconhecidos internacionalmente, mas uma das coisas mais bonitas que vivenciei com o prêmio foi descobrir exatamente o oposto: o que é mais verdadeiro em nossas experiências locais pode gerar conexões universais muito profundas.
Talvez essa tenha sido uma das coisas mais empolgantes para mim: perceber que minha carreira poderia incentivar outras pessoas a acreditarem em suas próprias histórias e em seus próprios idiomas. Porque por muito tempo muitos países do Sul Global foram vistos apenas como assuntos dentro da fotografia mundial, e não como centros de produção de pensamento, ética e narrativa. Hoje vejo cada vez mais fotógrafos ocupando espaços importantes sem abrir mão de suas identidades, e isso é muito poderoso.
Se há uma coisa que essa experiência me ensinou, é que os fotógrafos não devem subestimar o valor de suas próprias experiências, culturas e referências. Há uma riqueza imensa em nossos territórios e em nossas formas de ver o mundo. E quando uma obra nasce desse lugar real, ela pode cruzar qualquer fronteira.
Meu projeto M' kumba nasceu de uma necessidade muito profunda de revisitar a forma como as religiões afro-brasileiras foram historicamente invisíveis e perseguidas no Brasil. Durante séculos, essas comunidades e religiões foram atacadas sistematicamente. E embora essa violência ainda exista, senti que poderia, por meio da fotografia, ajudar a transformar esse cenário.
Como alguém que também não faz parte dessa comunidade, entendi que era importante construir imagens a partir de um lugar de pertencimento e criatividade. Meu desejo era criar uma narrativa que não apenas colocasse as pessoas afro-religiosas no lugar da dor, mas também no lugar da dignidade, ancestralidade, força e celebração da vida. É por isso que a série mistura elementos documentais e simbólicos para revisitar as mitologias afro-brasileiras e refletir sobre como essas tradições ajudaram milhões de pessoas a sobreviver ao longo da história brasileira.
O próprio nome M 'kumba carrega esse gesto de ressignificação. A palavra tem origem centro-africana e, antes de ser transformada em um termo pejorativo pela sociedade brasileira, era relacionada a encontros de sabedoria, espiritualidade e conhecimento. Recuperar esse significado também foi uma forma de recuperar a memória e a identidade.
Em vez de denunciar o preconceito, eu queria que a série também não transmitisse orgulho. Orgulhoso de uma herança cultural que sobreviveu a séculos de perseguição e que continua produzindo conhecimento, arte, acolhimento e formas muito profundas de entender a vida. E acho que isso também pode inspirar outros fotógrafos: entender que nossas histórias locais têm um poder estético , político e emocional capaz de se comunicar com qualquer pessoa, em qualquer lugar do mundo.
Acredito que essa relação de confiança nasce, antes de tudo, do pertencimento e do tempo. Meu relacionamento com as comunidades do Terreiro não começou com a fotografia. Faz parte da minha vida há mais de duas delas, da minha formação humana, espiritual e emocional. Eu pertenço a uma comunidade afro-brasileira tradicional e cresci aprendendo valores como respeito, escuta, coletividade e responsabilidade pelos outros. Isso transforma completamente a maneira como eu abordo pessoas e histórias.
Quando chego para fotografar, não sou visto apenas como um estranho com uma câmera na mão. Há um reconhecimento mútuo muito profundo. Conheço os códigos , as tradições, os gestos e, acima de tudo, as sensibilidades desses espaços. Também não conheço a dor causada pela intolerância religiosa, porque infelizmente essa violência também passou pela minha própria trajetória. Muitas vezes o encontro acontece com base nessa identificação humana e emocional.
Nos últimos 7 anos, meu trabalho na mídia internacional, como a National Geographic, bem como em outros jornais e revistas ao redor do mundo, também ajudou a fortalecer esse relacionamento. Muitas comunidades perceberam que eu estava usando a fotografia não para exotizar ou simplificar suas experiências, mas para combater a desinformação histórica e construir representações mais humanas das religiões afro-brasileiras. Acho que isso criou um sentimento muito bonito de confiança coletiva.
Mas talvez o mais importante seja entender que a confiança não se conquista apenas fotografando. É construído na coexistência, na presença e na forma como você se posiciona diante das pessoas. Muitas vezes, antes mesmo de fazer uma imagem, há um momento de escuta, conversa, troca e cuidado. E quando as pessoas percebem que você está realmente lá, elas param de ver você apenas como fotógrafo e começam a recebê-lo como parte da comunidade.
Isso me ensinou algo muito importante sobre fotografia documental: as imagens mais profundas geralmente não nascem da distância, mas da relação humana que conseguimos construir. E acho que é exatamente isso que permite que as fotografias transmitam intimidade, sensibilidade e vida.
Acho que certas histórias não podem ser contadas por meio de imagens individuais, porque sua força está justamente na construção coletiva. Uma única fotografia pode ser muito impressionante, mas uma série cria profundidade, ritmo, continuidade e várias camadas de leitura sobre o mesmo universo.
Para mim, o poder da série fotográfica está na relação entre as imagens. É nesse diálogo que emergem nuances que talvez nunca fossem percebidas isoladamente. Uma imagem pode apresentar um personagem, outra pode revelar um território e outra pode trazer memória ou espiritualidade. Quando se reúnem, criam uma experiência muito maior e mais sensível.
Também gosto de pensar que uma série permite que o espectador permaneça na narrativa por mais tempo. Isso gera imersão. Pouco a pouco, a pessoa deixa de olhar apenas as fotografias e começa a entrar em contato com as atmosferas, os sentimentos e as complexidades daquele contexto retratado. Acho que é exatamente aí que a fotografia adquire uma capacidade ainda maior de criar conexão humana.
Talvez seja por isso que eu vejo séries fotográficas quase como organismos vivos. Cada imagem tem sua importância, mas é o todo que produz densidade, permanência e significado. E quando uma narrativa consegue criar esse tipo de experiência, ela deixa de ser apenas visual e começa a permanecer emocionalmente nas pessoas.
Minha fotografia nasceu de uma combinação: minha formação em artes visuais, minha pesquisa de mestrado em estética afro-brasileira e minha experiência religiosa. Esses três caminhos acabaram construindo a forma como vejo imagens e o próprio ato de fotografar.
Minha relação com a fotografia sempre esteve intimamente ligada à ideia de símbolo, memória e presença. Talvez por eu vir das artes visuais, eu pense na imagem não apenas como um documento, mas também como uma linguagem estética e conceitual. Estou muito interessado em entender como certas visualidades atravessam a história brasileira, especialmente aquelas herdadas de matrizes africanas e preservadas nas comunidades do Terreiro.
Durante minha pesquisa de mestrado, comecei a aprofundar minha visão da estética afro-brasileira presente em corpos, tecidos, cores, ocupação de espaços, objetos rituais e formas coletivas de construção da beleza afro-brasileira. Há uma sofisticação visual e filosófica muito poderosa nesses territórios, mas muitas vezes ela passa despercebida por quem olha de fora.
Como alguém que também pertence a uma comunidade afro-brasileira tradicional, minha relação com essas imagens ocorre de dentro. Isso me permite reconhecer detalhes, sensibilidades e camadas simbólicas que fazem parte da experiência diária dessas comunidades. Muitas vezes não estou apenas gravando uma cena, mas estou dialogando com referências antigas, formas de cuidado coletivo e tecnologias de existência que atravessam gerações.
Ao mesmo tempo, tento construir uma fotografia sem excessos ou artificialidades. Gosto de imagens que conseguem emocionar por causa da verdade que elas carregam. Meu interesse nunca foi produzir distância, mas sim aproximação. Quero que as pessoas possam olhar essas fotografias e perceber a humanidade, a complexidade e a beleza em contextos que foram historicamente reduzidos ao preconceito ou à desinformação.
Eu entendo que território, identidade e pertencimento estão profundamente ligados. Nós, artistas latino-americanos, somos fruto de um processo histórico marcado pelo colonialismo. Mas também somos herdeiros das formas de resistência que esses povos criaram para continuar existindo. Muitas dessas resistências nasceram justamente da relação com o território, da preservação da memória coletiva e da capacidade de reinventar pertences mesmo diante da violência histórica. E acho que hoje nós, fotógrafos, temos a possibilidade de continuar reescrevendo essas histórias por meio de imagens.
Para mim , é muito difícil separar fotografia e responsabilidade social. Vivo em um país marcado por profundas desigualdades, onde muitas pessoas ainda estão impedidas de acessar direitos básicos e uma vida melhor. Isso inevitavelmente cruza meus olhos e influencia os projetos que decido desenvolver. Acho que a fotografia pode ser uma ferramenta para a abordagem humana e também uma forma de combater as invisibilidades históricas.
Ao mesmo tempo, minha relação com essas histórias não se baseia apenas na observação. Embora hoje eu seja uma pessoa branca de classe média, venho de uma origem humilde e minha família também foi profundamente afetada pelas dificuldades sociais no Brasil. Eu cresci vendo meus pais lutarem diariamente para existir com dignidade. Acho que a memória cria em mim uma conexão muito forte com histórias de resistência, permanência e esperança. E talvez seja exatamente isso que me motiva: a possibilidade de produzir imagens que não apenas registrem realidades, mas que também possam inspirar futuras transformações.
Costumo escolher projetos que revelam a capacidade humana de continuar criando resistência, afeto e coletividade, mesmo em contextos difíceis. Porque acredito que há algo extremamente poderoso quando pessoas que foram historicamente silenciadas conseguem ocupar o centro de suas próprias narrativas. Essas histórias não falam apenas sobre dor ou desigualdade; elas também falam sobre invenção ou o futuro.
Acredito profundamente que a fotografia pode participar da construção de novos imaginários sociais. Quando uma imagem produz identificação, pertencimento e reconhecimento, ela também ajuda as pessoas a imaginar outras possibilidades de existência. E talvez seja isso que mais me motiva como fotógrafa: a ideia de que contar histórias também pode ser uma forma de abrir caminhos para que as próximas gerações encontrem um mundo mais sensível, mais plural e mais humano.
No trabalho documental, especialmente em projetos de longa duração, como M 'kumba, a equipe precisa estar totalmente alinhada com a intensidade do volume de produção e com as demandas de qualidade extremamente altas que enfrentamos constantemente. Para desenvolver a série, usei o Sony Alpha 7R V junto com as lentes Sony FE 24-70mm f/2.8 GM, Sony FE 50mm f/1.2 GM e Sony FE 85mm f/1.8. Um conjunto que só a Sony poderia me oferecer com tanta qualidade e tecnologia.
O Alpha 7R V me deu uma liberdade criativa impressionante. A combinação de resolução muito alta, faixa dinâmica extremamente ampla e foco preciso me permitiu produzir imagens com uma profundidade visual muito próxima do que realmente vivia nos territórios fotografados. Muitas vezes trabalhei em ambientes com iluminação extremamente delicada, cenas muito rápidas ou situações emocionalmente irrepetíveis. E a câmera responde com uma precisão impressionante sem comprometer a naturalidade do momento.
Para mim, uma das coisas mais extraordinárias sobre os dispositivos Sony é justamente essa capacidade de combinar tecnologia de ponta e sensibilidade visual. Há uma grande fidelidade nas texturas, nas transições de luz, nas cores e nos pequenos detalhes das cenas. Isso faz uma grande diferença no meu trabalho, pois minhas imagens carregam muitos elementos simbólicos, materiais e estéticos que precisam permanecer vivos nas fotografias.
As lentes GM também foram fundamentais nesse processo. A definição óptica, a profundidade e a forma como atraem a luz e o contraste criam uma sensação muito forte de presença nas imagens. A FE 50mm f/1.2 GM, por exemplo, me permitiu trabalhar em cenas extremamente íntimas, preservando ao mesmo tempo suavidade, profundidade emocional e nitidez impressionante. A FE 24-70mm f/2.8 GM me deu a versatilidade de me mover rapidamente entre diferentes situações documentais sem perder qualidade. E a 85mm trouxe uma estética muito especial aos retratos e aos detalhes dos objetos que venho fotografando.
Hoje minhas fotografias estão sendo exibidas em galerias, festivais, museus e publicações em todo o mundo. É por isso que trabalhar com arquivos de altíssima qualidade se tornou essencial. A tecnologia da Sony me permitiu produzir imagens preparadas tanto para grandes ampliações de exposições quanto para publicações editoriais internacionais sem perder detalhes, profundidade ou intensidade visual.
Mas uma coisa que os dispositivos Sony me fizeram entender é como a tecnologia pode expandir o poder artístico da fotografia. Quando a equipe responde de forma intuitiva e precisa, você para de pensar nas limitações técnicas e consegue estar totalmente presente na experiência, no encontro e na emoção daquele momento. E acho que é exatamente aí que a fotografia encontra sua verdadeira força.
Acho que o primeiro conselho que eu daria é: siga o que seu coração pede que você fotografe. Porque, no final das contas, são as imagens feitas com verdade, compromisso e emoção que conseguem durar no tempo. Muitas vezes tentamos seguir tendências, agradar mercados ou reproduzir linguagens que já foram legítimas, mas acho que a força de uma trajetória nasce justamente quando entendemos o que realmente nos move como seres humanos.
Também considero muito importante ter referências e estudar profundamente os fotógrafos que nos inspiram. Não só pelas imagens que produziram, mas pelas trajetórias que construíram. Gosto de pensar que todo grande trabalho carrega anos de insistência, dúvidas, tentativas e amadurecimento. Quando observamos os caminhos dos fotógrafos que admiramos, entendemos que ninguém constrói uma linguagem relevante de um dia para o outro. Há muito trabalho, disciplina e dedicação por trás de cada imagem que permanece na história.
Ao mesmo tempo, acho que é essencial deixar claro para onde queremos ir. Não só em termos de carreira, mas principalmente sobre o que queremos comunicar ao mundo através da fotografia. Quando entendemos isso, começamos a tomar decisões mais conscientes sobre nossos projetos, pesquisas, relacionamentos e processos criativos. Acredito que uma trajetória sólida é construída pouco a pouco, com consistência e propósito.
E talvez uma das coisas mais importantes seja nunca desanimar diante das dificuldades. A fotografia pode ser uma jornada muito difícil às vezes, quase sempre solitária. Há momentos de insegurança, cansaço e frustração. Mas aprendi que o esforço real sempre encontra alguma forma de reconhecimento. Muitas vezes ocorre por meio de pequenas conquistas diárias, que para muitas pessoas de fora podem parecer insignificantes, mas que estão fortalecendo nosso caminho. E em alguns momentos, de uma forma quase incrível, pode passar por alguns dos maiores prêmios do mundo, como aconteceu comigo no Sony World Photography Awards.
É por isso que acredito tanto na persistência. Porque às vezes o que parece impossível hoje pode ser transformado na realidade de amanhã. E talvez a coisa mais linda da fotografia seja exatamente isso: ela tem a capacidade de transformar trajetórias individuais em algo capaz de inspirar muitas outras pessoas a continuarem acreditando em seus próprios sonhos e em suas próprias histórias.
